Voz: Natalia Brambila.
Piano: Hector Acosta.

La vigésima sexta edición del Festival Dr. Alfonso Ortiz Tirado, el evento cultural más importante del norte de México, se realizará del 21 al 29 de enero de 2010, con más de 130 actividades durante nueve días de fiesta en diez municipios de Sonora.

En esta edición participarán ejecutantes de España, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Argentina, Alemania, Uruguay, Cuba, Inglaterra, y por primera ocasión África y Rusia. De México, tendremos representantes de Veracruz, Michoacán, Guerrero, Baja California, Oaxaca, Jalisco, Sinaloa, Yucatán, Nuevo León, México, Distrito Federal, y la destacada presencia de más de 135 artistas sonorenses.

El público de Álamos, Navojoa, Cajeme, Hermosillo y Guaymas, a partir de este año como sede; Etchojoa, Huatabampo, Empalme, Nogales, en calidad de subsedes, disfrutarán conciertos de excelencia, con artistas reconocidos nacional e internacionalmente.

RECONOCIMIENTOS

La Medalla Dr. Alfonso Ortiz Tirado 2010 se entregará a la mezzosoprano mexicana Encarnación Vázquez, considerada una de las mejores voces del bel canto y de la ópera, con 28 años de trayectoria artística, en los que ha deleitado al público de todos los continentes del mundo y ha difundido la música mexicana. La ceremonia oficial se realizará en la clausura del festival, el viernes 29 de enero a las 20:00 horas, en el Palacio Municipal de Álamos.

El tenor hermosillense Jesús León, recibirá el Reconocimiento Revelación Juvenil Sonora 2009, el domingo 24 de enero, a las 20:00 horas, en el Palacio Municipal de Álamos. Ha cosechado triunfos en Italia, Bélgica, Inglaterra, Estados Unidos, y recientemente debutó con la Orquesta Filarmónica Real de Londres. Por su interpretación del repertorio lírico, y por la belleza y resonancia de sus altas notas, se encuentra al frente de los cantantes de su generación.

Como homenaje a su trayectoria de 60 años en los que ha hecho del jazz su vida, integrando orquestas de renombre de México, Estados Unidos, Venezuela, Colombia, Costa Rica y Panamá, Don Ángel Valdez, de Navojoa, Sonora, será distinguido con el Reconocimiento al Maestro Sonorense 2010, el martes 26 de enero, a las 19:00 horas, en el Foro Monumental, Plaza Alonso Vidal, Plaza Alonso Vidal de Hermosillo.

El Festival es organizado por el Gobierno del Estado de Sonora a través del Instituto Sonorense de Cultura, con el apoyo de la Secretaría de Educación y Cultura, los ayuntamientos participantes, la Comisión de Fomento al Turismo del Estado de Sonora, Radio Sonora, Telemax, Conaculta e Instituto Nacional de Bellas Artes, entre otros organismos públicos y privados.

En este nuevo Sonora que estamos construyendo, ven y disfruta las actividades del Festival Dr. Alfonso Ortiz Tirado 2010: el escenario multicolor para la música y todas las manifestaciones del arte.

Texto de la página principal del FAOT: www.festivalortiztirado.com

A los que conocieron al pianista Veracruzano (adoptado Sonorense) Daniel Villegas seguramente esta noticia los ha dejado consternados. Daniel Trabajo en la Universidad de Sonora por casi una decada como pianista repertorista en la Licenciatura en Artes Opcion Canto, y en el 2007 se traslado a Mazatlan para trabajar para el Insituto de Cultura como maestro de Piano, director coral y maestro de canto. Aqui en Sonora Daniel ayudo en la formacion de generaciones de cantantes y siempre se preocupo por traer masterclasses y maestros invitados para que contribuyeran en la formacion de los jovenes estudiantes, siempre se procupo por subir el nivel y luchaba en contra de las actitudes conformistas de sus colegas y estudiantes. Daniel estuvo a cargo de una infinidad de recitales de canto en nuestro Estado desde su llegada en 1999 lo cual es una gran contribucion al desarrollo cultural de Sonora, fue el amigo de todos y aunque resongara de la mala organizacion de algunos eventos o de la falta de disciplina de algunos estudiantes siempre terminaba por comprometerse y ayudar. Aunque ya hacia tiempo que se habia ido de Sonora nos ha dejado un gran vacio, justo hace apenas un mes vino a visitarnos y tuve el placer de tenerlo como invitado en mi clase Optativa de Repertorio Vocal en donde trabajo con dos de mis alumnos a manera de masterclass, siempre decia que queria volver a Sonora ya que se sentia como en su casa. Recuerdo haber coincidido con el maestro en el Amalfi Coast Music Festival en Italia en el 2006 y siempre nos mantuvimos en contacto a pesar de que nunca recidimos en la misma ciudad ya que mientras el maestro trabajaba en Hermosillo yo recidia en Tucson, sus platicas preferidas iban siempre encamindas a como subir el nivel de las artes en Sonora y principalmente como subir el nivel de la escuela de canto de la Unison, de hecho recientemente estaba trabajando en un proyecto de conciertos didacticos para nuestro Estado. Desgraciadamente el viernes 30 de Octubre fue encontrado sin vida en su departamento situado en el centro historico de Mazatlan, segun el diario “El Sol de Mazatlan” del dia 31 su muerte fue provocada por un asesino serial que ya lleva varias victimas. El gremio musical de Sonora esta de luto, nos es muy dificil pensar que una persona talentosa, dedicada, trabajadora y de un gran corazon haya sido victima de este terrible crimen. Maestro, gracias por tu gran contribucion al desarrollo cultural de Sonora, gracias por tu generosidad, tu sencillez y tu profesionalismo, gracias por haberle abierto tu corazon a los Sonorenses, ten por seguro que te llevaremos en nuestro corazon y en nuestros recuerdos, siempre te recordaremos maestro y amigo apodado por todos “El Flaco”. Daniel Villegas Megia (1972-2009).

Hector Acosta

EL DEPARTAMENTO DE BELLAS ARTES DE LA UNIVERSIAD DE SONORA
FELICITA
A LA MAESTRA
ADRIANA CASTAÑOS
POR RECIBIR EL PREMIO INTERNACIONAL DE COREOGRAFÍA
 
 
 
Con la obra Lengua Ignota, producciones la lágrima participó dentro del VII Premio Internacional de Coreografía Contemporánea, realizado en la ciudad de Monterrey, N.L., en donde Adriana Castaños recibió el Premio en la categoría “A”, el pasado 21 de octubre.
 
La obra ganadora fue interpretada por Nadia Rodríguez, Jessica Félix, Karina Suárez Bosché, Emmanuel Pacheco, Alejandra López y Marco Iván Ochoa, todos ellos maestros, egresados y alumnos de la Opción Danza de la Licenciatura en Artes de la Universidad de Sonora. La iluminación estuvo a cargo de Javier Rodríguez.
 
La función en donde se presentaron 8 finalistas, se llevó a cabo en el Teatro de la Ciudad de Monterrey, en el marco del Festival Danza-Extremadura. El jurado estuvo integrado por Marie-Andrée Gougeon, manager y asistente de dirección de la Compañía Daniel Lévellé de Canadá, Javier Díaz, director de la Compañía Spaguetthi Teatro Danza de Chile y Sunny Savoy, directora de la compañía regiomontana Sunny Savoy.
 
Producciones la lágrima presentará Lengua Ignota en Hermosillo el 17 de noviembre en el marco del ciclo MartesDanza, que organizan los alumnos del noveno semestre de la Opción Danza de la Licenciatura en Artes, en el Foro de Bellas Artes de la Universidad de Sonora a las 19.00 hrs.
 
Más infirmes 2592141 y 39 ext. 159 con la arq. Luisa castro

Sin duda alguna a nivel mundial el Mariachi es un icono de la música tradicional Mexicana, y el principal símbolo del mexicanismo es el charro; ese personaje que es una mezcla entre bravura y nobleza.  Pero la pregunta es, ¿Como llego el Mariachi a ser la música representativa de nuestro país?

Durante los tiempos de la colonia y como producto del mestizaje surgieron en México una gran variedad de “sones” como lo son los sones Veracruzanos, Michoacanos, Guerrerenses, Huastecos, Jaliscienses, entre otros. Cada región de la nueva España desarrollo su propia identidad la cual se reflejaba en sus expresiones artísticas. Aunque no se cuenta con ningún registro escrito sobre donde y cuando surgió el mariachi, se supone que debe de haber surgido o en épocas coloniales o en los inicios del México independiente. Otra cosa de lo que no se tiene ninguna pista es sobre el significado de la palabra “Mariachi”. Durante años se aseguro que esta palabra provenía de la palabra Francesa “Mariage”, que quiere decir matrimonio, argumentando que este ensamble acostumbraba tocar en las celebraciones matrimoniales de la antigua aristocracia Francesa residente en México a raíz de la invasión Francesa de 1861, pero hay registros de sacerdotes católicos que se quejaban con las autoridades de que los mariachis tocaban cerca de las iglesias a altas horas de la noche años antes de la invasión Francesa, lo cual descarta esta teoría. De esta manera la teoría que se mantiene vigente es la de que esta palabra proviene de alguna lengua indígena, aunque no se tiene el dato preciso de cuál de los cientos de lenguas indígenas existentes en México. De lo que si estamos seguros es de que el Mariachi era el ensamble que se dedicaba a tocar sones Jaliscienses en el área de Jalisco durante el siglo XIX. Desgraciadamente, la clase adinerada de aquellos años nunca había querido reconocer la riqueza de la música tradicional de México, lo cual no fue el caso del Doctor Luis I. Rodríguez residente del área de Jalisco, quien a principios del siglo XX se convirtió en el mecenas de el llamado “Cuarteto Coculense” el cual fue el primero en actuar en la Ciudad de México  y del cual se tienen las primeras grabaciones de este género realizadas en los años 1908 y 1909. Este cuarteto era un ensamble sencillo de una guitarra, vihuela y dos violines y su vestimenta era de manta, huaraches y sombrero grande (lo cual es muy diferente a como se visten los mariachis de hoy en día). Años más tarde este ensamble se hizo llamar “Mariachi Coculense “Rodríguez” de Cirilo Marmolejo”, el cual ya contaba con 7 elementos y una vestimenta más vistosa. La introducción de la Trompeta al mariachi se dio en la primera mitad del siglo XX; de hecho el Mariachi Vargas de Tecatitlan (el cual se fundó en 1897) hizo un intento por agregarla a la agrupación en 1913 pero no fue bien aceptada, y no fue hasta 1941 que la integraron definitivamente.

En 1934 llegaba al poder el presidente Lázaro Cárdenas, quien se caracterizo por idear estrategias por unificar al país, el cual hasta ese momento no había adquirido una identidad nacional. Entre su obra podemos mencionar la expropiación del petróleo, la fundación del Instituto Politécnico Nacional, El Colegio de México y el Instituto Nacional de Antropología e Historia. El Doctor Rodríguez quien era influyente le sugirió al Presidente incluir al “Mariachi  Coculense” en ciertos eventos del Gobierno Federal, a lo que el presidente Cárdenas respondió favorablemente. Desde entonces la música de Mariachi se convirtió en la música de los eventos oficiales del Gobierno Cardenista, lo cual se considera pudo haber sido una estrategia más de Cárdenas para unificar al país. También, el Presidente Cárdenas contrato al Mariachi Vargas para que fuera el Mariachi Oficial del Departamento de Policía de la Ciudad de México donde permaneció durante 20 años. Estas acciones sin duda alguna posicionaron al Mariachi en los demás Estados de la República Mexicana y colocan al Presidente Cárdenas como uno de los promotores más importantes de este género.

Dentro del Gobierno de Cárdenas surge la empresa cinematográfica mexicana, la cual se inclina por mostrar la música folklórica y así darle continuidad a la obra del Presidente. Pero aun que la empresa cinematográfica tendría el apoyo del Gobierno, debían de pensar en una buena estrategia de mercado, ya que la clase alta de aquellos años no compraría un producto donde se mostrara la música Mexicana  tal y cual la interpretaban los indígenas. Es entonces cuando  se empiezan a hacer arreglos orquestales de las canciones populares y también, se empiezan a componer canciones en el estilo tradicional previamente pensadas para ser orquestadas. Cabe destacar que la clase alta nunca hubiera comprado la idea de ver a un indígena cantando de la forma en que se cantaría en las zonas rurales de México. Asimismo, gracias a la dictadura de Porfirio Díaz se había logrado consolidar una fuerte tradición operática en nuestro país generando con esto el desarrollo de una gran cantidad de cantantes de Mexicanos que al llegar la revolución y cerrarse las casas de opera debido al caos económico se inclinaron a cantar canción romántica popular, entre esos cantantes estaba el Sonorense Alfonso Ortiz Tirado, de toda esta situación nace el género llamado “Revista Musical” de principios del siglo XX, para lo cual surgieron compositores que habían estudiado en los conservatorios de México y en los más renombrados de Europa, tal es el caso de María Greever, Alfonzo Esparza Oteo, Manuel Esperón, Jorge del Moral, Manuel M. Ponce entre otros, quienes componían para voces educadas en el estilo tradicional Mexicano pero con el lenguaje armónico proveniente de la música clásica y con una gran influencia de la forma Recitativo-Aria de la opera Europea. Este movimiento ya había despertado el interés de la clase alta, es por ello que la empresa cinematográfica hace uso de este movimiento e invita a cantantes que se habían profesionalizado en el arte del Bel Canto a participar en sus películas. Tal es el caso de Jorge Negrete, mejor conocido como “El Charro Cantor”, quien fue invitado a participar en películas Mexicanas desde 1937 después de haber hecho una audición en el “Metropolitan Opera House de Nueva York, en donde le habían ofrecido la oportunidad de ser barítono suplente, lo cual rechazo rotundamente. Todo este movimiento cinematográfico desencadeno una época de refinamiento en el folklor de México, las canciones tradicionales se presentaban con arreglos orquestales e interpretadas por cantantes profesionales. De igual manera, el personaje de “El Charro” se consolido como un símbolo del mexicanismo, este personaje de vestimenta elegante, enamorado, leal, portador de una pistola y de voz operática no representaba precisamente a las clases bajas sino a las clases acomodadas de aquel tiempo. Cabe mencionar que en el área de Jalisco y Sonora emigraron muchas familias de Españoles judíos a fines del siglo XIX, por lo cual podríamos argumentar que “El Charro” obedece al perfil de un criollo judío de principios del siglo XX. A partir de la época de oro del cine Mexicano (1935-1958) hubo también grandes exponentes de la música tradicional Mexicana que hicieron contribuciones significativas, tal es el caso de el trío “Los Calavera”, quienes impusieron la moda del falsete virtuoso, cabe destacar que la práctica del falsete es una tradición de los sones Huastecos pero con notas de corta duración, el trío “Los Calavera” para la filmación de sus películas decidieron mostrar un falsete alargado que duraba muchos compases mas solo para mostrar un dominio técnico y un nivel de ejecución mayor. Este estilo de cantar fue adoptado por el cantante Miguel Aceves Mejía, quien era llamado “El Rey del Falsete” durante la década de los 50’s.  También, años más tarde viene Javier Solís quien impone la moda del “Bolero Ranchero”. De igual manera llegaría el gran compositor José Alfredo Jiménez, la cantante Amalia Mendoza, entre otros. Otra aportación a esta tradición son los mariachis femeniles que surgieron en 1989 con la formación del mariachi “Perlitas Tapatías” en Jalisco. Cabe destacar que la participación femenina en la música folclórica Mexicana se la debemos a la cantante y actriz Lucha Reyes, quien con su dramática manera de interpretar y su personalidad polémica sirvió como modelo de las exponentes del genero de generaciones posteriores como Amalia Mendoza y Lola Beltrán. Actualmente cantantes como Vicente Fernández, Aida Cuevas o agrupaciones como el Mariachi Varga se dedican a preservar esta tradición.

Cuando llegue el mes de septiembre sería interesante reflexionar si:

¿Creemos ser CHARROS porque somos Mexicanos o porque inconscientemente seguimos el patrón de un criollo de principios del siglo XX?, 

 ¿Queremos cantar una canción ranchera a toda voz por nuestro temple bravío?, o porque detrás de eso está la practica operática que venimos escuchando desde la década de los 30’s y que ya se convirtió en parte de nuestra expresión cultural a través del tiempo?

¿Queremos ir a escuchar un mariachi con 20 integrantes y arreglos virtuosos y complicados porque creemos o pensamos que así es la música tradicional Mexicana o porque simplemente desconocemos que eso fue producto de una estrategia de mercado de la compañía cinematográfica Mexicana en la década de los 1930’s motivada por un interés político de unificar al país, aunado a la creatividad de los mariachis más sobresalientes de la primera mitad del siglo XX?

 De cualquier manera todos estos sucesos en la historia del Mariachi lo han enriquecido y fortalecido al grado de ser admirado a nivel mundial, y la época de oro del cine Mexicano le dio a nuestro país una identidad que sigue captando a nuevas generaciones. La sonoridad que ha logrado el Mariachi a lo largo de la historia le da un toque orquestal con una variedad de timbres inigualables y de posibilidades rítmicas que lo arma de recursos que lo ayudan a preservarse y a evolucionar. En la actualidad el Mariachi es un ensamble que puede interpretar una gran variedad de géneros desde sones, boleros, corridos, valses, canción bravía, cumbia, entre otros, y aunque es una tradición que tiene sus raíces en la región de “Los Altos” en Jalisco, en la actualidad representa a todo nuestro país.

Yo me considero un admirador de la música Mexicana y para mi resulta de gran agrado el compartirles este articulo producto de una investigación que realice en el año 2006.

M.M. Héctor Acosta

Asociación Sonorense del Arte A.C.

Maestro Universidad de Sonora

El Departamento de Bellas Artes de la UNISON  nos ha informado que han sido seleccionadas 2 obras de teatro de la Universidad de Sonora para participar en el XVII Festival Nacional de Teatro Universitario que convoca la Universidad Autónoma de México (UNAM). Las obras son: “La Cacatúa Verde” de Arthur Schnitzer Y “La Gaviota” de Anton Chejov, ambas dirigidas por la Maestra Hilda Valencia y escenificadas por los alumnos del noveno semestre de la Lic. en Artes opción Teatro.
Muchas Felicidades a Alejandra, Verenice, Alexia, Aura, Valentina, Alan, Miguel, Isaac y Roberto y mucha suerte!!!!!!!

No son pocas las personas que consideran al director de ensambles sinfónicos como uno de los residuos de épocas aparentemente idas de autoritarismos y/o totalitarismos. Tampoco son pocas las anécdotas o historias sobre el comportamiento de algunos así llamados directores sinfónicos de antaño y hogaño que nos provocan asombro ante la capacidad que demuestran, una y otra vez, de denigrar, insultar, vejar o maltratar sicológicamente a “sus” músicos. Si bien es cierto que con frecuencia esos músicos son cómplices de “su” director al aceptar sin chistar sus capacidades represoras (he oído decir a algunos atrilistas que si les pagan bien, aguantan cuanto insulto reciban), es de igual manera cierto que esas agrupaciones terminan en una pérdida total de personalidad, de carácter, de involucramiento personal en el quehacer musical y, llegados a este punto, se manifiestan como ejecutantes mecánicos, en ocasiones robóticos, de las ocurrencias seudo-musicales del director en turno del ensamble. No falta el supuesto director que encubre esas ocurrencias musicales con el sustantivo de “interpretación”. Y desde luego que tampoco faltan sus “críticos” fieles que les elogian esas “interpretaciones”.
Es un común denominador el que los organismos orquestales “salven” a sus directores, pues ante el cúmulo de deficiencias e insuficiencias técnicas y musicales que con no poca frecuencia demuestran, los atrilistas salen “al quite” y le solucionan al director su incapacidad de transmitir con toda precisión lo que el fenómeno musical exige a fin de lograr una ejecución inspiradora y beatífica, o si no, cuando menos lograr que todos toquen juntos y lo más cercano posible a las indicaciones de volumen. Así, las orquestas encuentran los mecanismos para “entrar juntos” aunque el director sea incapaz de dar la entrada (se le llama: anacrusa) de manera correcta. A este hecho, que es de los que de manera más frecuente encontramos en el podio, se agregan los movimientos grotescos o de asociación epiléptica que nada tienen que ver con lo que ejecutan los atrilistas y que, de nueva cuenta, “justifican” con aquello de “la manera personal” de dirigir.
Conocida es la anécdota que refiere el encuentro de ciertos integrantes de un renombrado organismo sinfónico que, de camino a la sala en la que su orquesta daría esa noche un concierto, se topan con amistades que les preguntan
- “¿quién dirigirá esta noche?”,
a lo que los orquestales responden:
- “Fulanito de Tal”.
Acto seguido, las amistades inquieren:
- “¿Y qué va a dirigir?”,
ante lo cual los orquestales responden:
- “No sabemos; nosotros tocaremos el ‘Huapango’ de Moncayo”.

Entre las diversas aberraciones que encontramos en México en el ámbito de la música de concierto, está el “Concurso Eduardo Mata para directores de orquesta”. Se trata de una actividad que cuenta con acaudalados apoyos…para subsidiar carreras de extranjeros punto menos que mediocres, que son quienes han sido favorecidos por los jurados de las ediciones que ha tenido el concurso de marras. Es un concurso que se da a pesar de que ninguna de las escuela profesionales o superiores de música de México, ofrece la carrera de director de orquesta. Escribo ‘ninguna’ porque en la única en la que oficialmente existe, quien la imparte es especialista en danzones y tiene en México punto menos que escaso reconocimiento como director sinfónico. (Los talleres que viene ofreciendo en este rubro el Sistema Nacional de Fomento Musical desde hace más de tres lustros, han sido, ante todo, deformadores de directores potenciales, a quienes vacunan contra la música; ahí impera el nivel de aficionado como aspiración máxima).
El concurso referido no tiene, pues, solvencia moral ni artística que lo avale, aunque sí cuenta con el apoyo económico y en especie del CONACULTA, INBA, UNAM, etc. Un talento de la dimensión de Gustavo Dudamel, por ejemplo, fue reprobado en la primera eliminatoria de una de las ediciones de ese remedo de concurso; muy poco tiempo después de esa ocasión, Dudamel fue el triunfador incuestionable del Concurso Internacional Gustav Mahler, de Bamberg, Alemania. Hoy, a sus 28 años, es director musical y principal de la Filarmónica de Los Ángeles (USA).
Los pocos talentos mexicanos en el ámbito de la dirección orquestal que se forman a contracorriente, dentro o fuera de México, no tienen cabida en ese concurso, pues tienen varias cosas en contra, a saber: 1.- son mexicanos; 2.- no son “güeritos” (por lo general); 3.- pocos entran en esa clasificación conocida como “gente totalmente Palacio”; 4.- han tenido muy pocas oportunidades de medirse en el podio ante organismos orquestales (profesionales o no) que les permitan desarrollar el oficio de la dirección orquestal; 5.- no pertenecen (por lo general) a cofradía alguna; 6.- son juzgados por extranjeros de mediocre o muy cuestionable trayectoria en tanto que directores de orquesta (casi ninguno de ellos podría dirigir “Sensemayá” (Revueltas) o “La Consagración de la Primavera” (Stravinski), por ejemplo).
Gracias a la Dirección General de Vinculación Cultural del CONACULTA, de la Secretaría de Cultura del Gobierno Estatal de San Luis Potosí, del Fondo Regional para la Cultura y las Artes de la Zona Centro-Occidente y de la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí, el hermoso Centro de las Artes Centenario, de la capital potosina, ha sido promotor y anfitrión del Diplomado en Dirección Musical “Onomatopeya de la Indecible”, que vengo impartiendo ahí desde el 6 abril del presente año.
“Onomatopeya de lo Indecible” consta de dos etapas, la primera dedicada al repertorio sinfónico, la segunda al operístico. Una gama variada de aspectos esenciales a este oficio es abordada en el Diplomado, como por ejemplo el entender el sonido y sus propiedades inmanentes, lo cual es conditio sine qua non en la iniciación del camino a la música; la cadencia temporal, fundamento de la anacrusa; la prosodia musical; los “lenguajes” modales, tonales y metatonales; el pulso, ritmo, métrica y el tempo del acontecimiento musical; la sonoridad instrumental; entendiendo (descifrando) una partitura; direccionalidad del acontecimiento acústico; técnica de la dirección musical.
Ocho jóvenes (7 mexicanos, 1 chileno) fueron seleccionados tras aprobar un riguroso examen de admisión que incluyó armonización tradicional de una melodía dada, transcripción/reducción para piano de un pasaje orquestal dado, lectura a primera vista (solfeo) de figuras melódicas y rítmicas, entre otros requisitos. Tras más de 110 horas de las 200 que tendrá el Diplomado, puedo asegurar que los talentosos participantes, sin excepción, harán carrera musical en sus distintos campos de la dirección musical (instrumental y/o vocal).
En el transcurso del Diplomado, he puesto especial énfasis en el imperativo del director orquestal de demostrar y demostrarse integridad ética y musical, de dominar el oficio de la dirección (técnica de la dirección musical), de estudiar a fondo la partitura a ser dirigida ( y no comprándose en la primera oportunidad algún CD que le “resuelva” el problema, como suelen hacerlo cuantos se llaman a sí mismos directores), de estar concientes de la dimensión espiritual, educativa y social de su quehacer, de manifestarse como artistas con carácter y sensibilidad, que asuman responsabilidad en el ejercicio de su quehacer.
Ya lo dijo Sergiu Celibidache en alguna ocasión: “Lo que un director debe transmitir a la orquesta, es qué tanto impulso y que tanta resolución requiere el fenómeno musical que se dirige”. No es, pues, función del director, el desempeño circense, ni histérico, ni arrogante ni condescendiente. Tampoco el entrar en contubernio con quienes defienden “conquistas” que dañan al erario público (se sabe que en época reciente, uno de los organismos orquestales que vive del erario público de México, “gozó” durante varios años de periodos de no actividad (vacacionales) de hasta cinco meses por año, como resultado del contubernio con su director del momento, con lo que incurrió en lo que podría ser una forma de peculado que, para colmo, fue avalado por la autoridad en turno).
Los ocho jóvenes talentos de la dirección musical que participan en el Diplomado, podrán dar cuenta de sus respectivos avances cuando dirijan, por segunda ocasión en el marco de este Diplomado, a la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí en el concierto que brindará el sábado 5 de septiembre, 2009, a las 18:30 hs, en el bello Teatro de la Paz, de San Luis Potosí. Bajo su guía musical sonarán páginas selectas de Mozart (Obertura a “La Clemenza di Tito”), R. Wagner (Preludio y Muerte de amor de Isolda, de “Tristán e Isolda”), O. Messiaen (Las ofrendas olvidadas), G. Mahler (Adagietto de la 5ta. Sinfonía) y L. V. Beethoven (Sinfonía No. 5). Será una magnífica oportunidad para apoyar a nuestros jóvenes músicos y, de paso, apoyar la consolidación de una economía de la música clásica en México.
San Luis Potosí, SLP; el 30 de agosto del 2009.

© Sergio Ismael Cárdenas Tamez, 2009.

*compositor musical y director sinfónico; profesor titular de carrera en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (Ciudad de México); Presidente de Música de Concierto de México, S. C. Página web:

“http://www.sergiocardenas.net”

http://es.wikipedia.org/wiki/Sergio_C%C3%A1rdenas

Por Zacarías Páez

Es una costumbre que en nuestro país, el mismo artista tiene qué velar por conseguir el dinero para sufragar los gastos de su producción. Los recursos de la venta de su producción artística, (pintura, funciones de danza y teatro, concierto de música, libros.) no alcanza para sustento, producción y promoción. Se suple con desarrollar una capacidad de solicitar, conseguir y administrar recursos de un mecenas, una institución o una empresa. Desde que comencé en esto de la promoción así ha sido.

Recientemente, se sabe de una nueva profesión, un nuevo título incluso de una nueva licenciatura. Procuración de recursos económicos.

De aquellos cultureros con vocación para conseguir patrocinios, nace una nueva generación de personas interesadas en la promoción cultural.

Los gestores de recursos económicos. Han puesto en orden la información, realizado listados de empresas e instituciones que apoyan y procedimientos para solicitar y lograr los apoyos económicos adecuados. Saben quién esta en disposición de apoyar, de los tiempos de presentar las solicitudes, de los requisitos que se deben cumplir y de la organización que deben tener los usufructuarios. Se puede obtener recursos estatales, nacionales e internacionales.

El fomento de esta actividad en el Estado de Sonora es reciente. Formar gestores de recursos es fundamental, crear un banco de información y difundir la existencia es prioritario. A los grupos independientes, los individuos e instituciones culturales nos conviene atender este punto. Investigación, documentación, información, comunicación y acción es lo importante.

Gestión de recursos económicos para la cultura y el arte es el tema.

La misantropía, la melancolía y el hermetismo son valores muy comunes en los artistas, tanto que en ocasiones pueden parecer una moda o una pretensión. En algunos casos es completamente natural y se lleva tan bien con el talento que a esos especímenes hay quienes los llaman genios. Sin embargo, la realidad es que los creadores no son una isla, al menos no sus productos. La falta de espacios y difusión de todas las disciplinas artísticas, así como el  poco apoyo económico hacia éstas dificultan un libre progreso de la cultura y las artes en el estado de Sonora. Los artistas concientes de dichas limitantes, y bajo sus  propias inquietudes por  promover sus creaciones –y por qué no, también bajo sus necesidades económicas—, toman cada vez papeles más activos en la difícil tarea de darse a conocer. No hay necesidad de discriminar ni apuntar con el dedo. La culpa del poco apoyo a estás disciplinas humanísticas recae en muchas ocasiones sobre nuestros hombros. No podemos referir a la sociedad hermosillense entre un grupo interesado en las artes, y es por eso que el  archipiélago que forman los artistas se pierde en la inmensidad de la indiferencia. Digamos pues, todo es culpa de educación, y lavémonos las manos. La realidad es que la sensibilidad artística se les da a unos y a otros no. De lo que sí soy conciente es que los esfuerzos por promover el arte y la cultura no son en vano, mas no siempre son de calidad. Lo necesario es abarcar los espacios públicos y sobre todo, no subestimar a los asistentes. El fracaso del impulso de las artes es la retrazada idea de que hay que simplificar las manifestaciones artísticas a un nivel que cualquiera pueda entenderlo. Eso es subestimar al pueblo y menospreciar al artista. En mi opinión, una ofensa al arte mismo. Al final se acercarán quienes realmente estén interesados.

Atallier de Arte-R y Pabellón Reforma presentan:

Hoy encontré una exposición de plásticas en el fashion mall de Hermosillo, el Pabellón Reforma. Una variada presentación de la obra pictórica de diez artistas locales decoran los pasillos del centro comercial, ofreciendo a los compradores y curiosos la oportunidad de acercarse a un arte abierto representativo de las necesidades estéticas de cada uno de los integrantes del grupo Trazos y Pasos. La exposición está compuesta por una ligera muestra de los pintores Abril García, Carlos Iván Hernández, Darío Val, David Ozuna, Gabriela Galaz, Gustavo Ozuna, Marisela Moreno Cano, Paula Martins y Perneyé Valencia. La variedad en estilo y técnicas es contrastante, lo cual demuestra que cada unos de los integrantes de este grupo trabaja bajo sus propios intereses, explorando sus propias formas y modelos. Los espacios conferidos para la presentación de las obras no son de lo mejor, pero al menos, cumplen con la misión de presentarse y no limitarse a las solitarias paredes de una galería, pues se ofrecen al ojo de cualquiera se tome la mínima molestia por detenerse a observar los cuadros. Punto a favor.

Roni

roni_hodgson@hotmail.com

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